experimentelle_ improvisierte_ konzeptionelle_ komponierte musik, klanginstallationen, intersdisziplinäre performances,

Programm Künstler Details 2019

listen music from artists invited 2019 >>>

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Mi. 13.11. 2019, Opening – 19:00 – VILLA FOR FOREST

Tomaž Grom & Irena Tomažin _duo

Mona Matbou Riahi_solo

Manuela Kerer_tapestück

Matthias Erian _tapestück

braun.aar _solo

Billy Roisz _video und raumklang

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Do. 14.11. 2019, Opening – 19:00 – VILLA FOR FOREST

Sophie Agnel _solo

strings & noise _duo

Klaus Lang _solo

Gischt _solo

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Fr. 15.11. 2019, Opening – 19:00 – VILLA FOR FOREST

Velharmonisches Ensemble

Strotter Inst _solo

Martin Brandlmayr & Ingrid Schmoliner & Joke Lanz _trio

Form _trio

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Sa. 16.11. 2019, Opening – 19:00 – Altkatholische Kirche

Jean Luc Guionnet _solo

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Sa. 16.11. 2019, Opening – 20:00 – VILLA FOR FOREST

Howool Baek & Matthias Erian _duo

Boris Hegenbart _solo

Elektro Guzzi _ trio

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Mona Matbou Riahi _solo

Mona Matbou-Riahi Mona Matbou Riahi wurde 1990 in Teheran (Iran) geboren. Bereits im frühen Kindesalter zeigte sie grosses Interesse für Musik. Im Alter von 8 Jahren bekam sie schliesslich von ihrer Mutter ihre erste Blockflöte geschenkt. Sechs Jahre später besuchte sie das Musikgymnasium Teherans, dort en-twickelte sie ihre Leidenschaft für die Klarinette und merkte die Musik ist der einzige Weg für sie ihre Gefühle auszudrücken und grosse Freiheit zu spüren.Sie nahm an verschiedenen Musikwettbewerben teil und gewann zahlreiche Preise wie etwa beim Mozartwettbewerb 2006 in Teheran (Mozartfestival with the cooperation of the University of Music and Dramatic Arts in Graz 2006.). Ausserdem spielte sie als Solistin mit dem Teheran Philarmonic Symphonie Orchestra (2007). Nach ihrem Abitur zog sie nach Wien, um an der Universität für Musik und darstellende Kunst in Wien zu studieren. Ihre besondere Vorliebe gilt der Auseinandersetzung mit experimenteller Musik, freier Improvisation und Performance.In ihren Kompositionen zeitgenössischer Musik und ihren freien Improvisationen integriert sie westliche und iranische Musikelemente. Auf dem Label ECM Records veröffentlichte sie 2016 mit ihrem Duo „Naqsh“(Golfam Khayam) das Debut Album „Narrante“, welches weltweit positive Resonanz bei Kritiker_innen fand. Als Künstlerin ist sie in vielen unterschiedlichen Formationen involviert: Gabbeh ensemble (Manu Mayr, Golnar Shahyar), Trio Liberamente (AnjaLechner, François Couturier), On boit Lumumba (Lukas Kranzelbinder, Fiston Mwanza Mujila, Gregory Dargent, Mario Rom, Johannes Schleiermacher, Dave Smith), Sormeh (Jelena Poprzan, Golnar Shahyar), Trickster Orchestra u.v.a.). Sie konzertiert international auf unterschiedlichen Bühnen und Festivals unter anderem bei Wien Modern, Glatt&Verkehrt, KlezMore festival, Women in Jazz, Jazz and the City Salzburg, Music Unlimited, Linzfest, Chamberfest Canada, Festival4020, Ulrichsberger Kaleidophon, Les Nuits des Mondes, Zürcher Theaterspektakel JazzWerkstatt Wien, Vienna Roomservice, Ljubl-jana Ljubljena (beloved) etc. Seit 2018 unterrichtet sie (Klarinette) an der Zentrum für Musikvermittlung Wien14

photo by Hessam Samavatian

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braun.aar

braun.aar manipulates mostly footage and unexpected sounds with taking inspiration from polite flute and church concerts in small European cities beside chaos & ugliness that she always looking for. Her new EP circles consist of an atmosphere, that does not belong to a particular genre but contains all of them; involves many stimulants like contrast, opposing paradoxes and someone, who has a regular life and dressed elegantly.

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Billy Roisz

Billy Roisz ist eine in Wien lebende Musikerin und Filmemacherin. Sie ist Autodidaktin, ihren kreativen Humus sieht sie im extrem offenen DIY-Umfeld der digitalen und analogen Elektronik- und Noiseszene im Wien der 1990er Jahre (phonotaktik, rhiz, mego, vidok, klingt.org). Seit 1998 arbeitet sie mit den Medien Video und Sound. Die Ästhetik der Bild- und Tonstörung, wie zum Beispiel Feedback und Verzerrungen, ist eines ihrer zentralen Experimentierfelder, die Verschränkung und Umzweckung von bild- und tongenerierenden Instrumenten ihr technischer Arbeitsansatz. Die künstlerische Umsetzung erfolgt in Form von audio-visuellen Live-Performances, Konzerten, Videoarbeiten und Rauminstallationen, oft solo, aber auch in enger Zusammenarbeit mit Künstler*innen aus dem Bereich experimenteller Elektronik und Noise, aber auch komponierter neuer und alter Musik, Film, Theater und Performance. Ihre Arbeiten wurden auf zahlreichen internationalen Festivals (u.a. Berlinale, IFF Rotterdam, Transmediale, Sonic Acts, Biennale Sao Paulo, 8 Brücken Festival Köln, Sonic Acts Amsterdam, Donaufestival Krems) und in renommierten Galerien und Museen (u.a. Tate Modern, South LondonGallery, Centre Pompidou, MACBA Barcelona, Museo Serralves Porto) präsentiert.Ihre Filme zounk! (2012), darkroom (2014) und THE (2015, Co-Regie Dieter Kovacic) liefen im Wettbewerb der Berlinale Shorts. Ihre Musik wurde bisher auf editionsMEGO, mikroton, for/wind, hathut und trost veröffentlicht.2003 erhielt sie das BKA Exerimentalfilmstipendium, 2009 den BMUKK Förderungspreis für Innovative Filmkunst, 2011 den Diagonale-Preis für innovatives Kino und 2018 das Staatsstipendium für Medienkunst.

BillyRoisz

Pic by Dieter Kovacic

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Matthias Erian

born . office administrator . independent music . stage hand . music for theater . organizer . waiter . studying electro-acoustic music and new media . live electronics . sound engineering . music for dance . surround sound concepts . field recording . film o-sound editing . curator . sound installations . music for documentation . now

Matthias Erian is an Austrian electro-acoustic composer and sound- designer currently based as freelance artist in Berlin, Germany. His latest works are often realised by multi- channel concepts (surround-sound), with overlaps to sound-installation and video-programming. Co-operations with dance-, film- and theatre productions.

Involved in different projects he produce music from experimental, improvised music, researched based works, to beat orientated avant-garde.

2016/2017:

“Radio Erian” – Jazz meets Electronic, Michael & Matthias Erian

“There is no Landscape” – interdisciplinary performance at museum for modern and contemporary art, MMCA Seoul, South-Korea, Co-Operation with Korean National Contemporary Dance Company

co-operation with Pansori (traditionel Korean “one man opera”) artist residence in Namwon, South-Korea

Composition and live interpretation for “EX IST” – Premiere @ Uferstudios Berlin, Germany, choreography – jungsun kim

Composition for “Traumlabor” – Premiere @ Strahl.Halle Ostkreuz, Germany, choreography – Irina Demina

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Sophie Agnel

PIANO
Born July 12th1964 in Paris, FranceWith solid training as a classical musician, Sophie Angel took a close interest in modern jazz before committing in the early Nineties to the shifting, deliciously uncertain groundof free improvisation, thanks to her fascination for the powers of expression displayed by a few great keyboard-heretics such as Keith Tippett, Fred Van Hove or Christine Wodrascka.

Taking a look through the prism of improvised music, Sophie Agnel beganreworking the prepared piano techniques imagined by John Cage in the field of contemporary music, and from that point she would busy herself “introducing the prosaicism of the contemporary world into the belly of western musical refinement itself”, and transform her instrument into a sort of “extensive prep-piano” or “extended piano”, thereby laying the foundations of a radically materialist personal universe that is by turns lyrical, abstract and sensualist.

Moving from the demanding exercise of playingsolo to multiple encounters with some of the greatest masters of contemporary improvisation in their original surroundings —Michel Doneda, Daunik Lazro, Olivier Benoit, , Eric M, Roger Turner, Phil Minton Joke Lanz, John Butcher—the pianist would also gradually venture into those border-zones where genres fade into the distance… Sophie Agnel has also produced a few of her own shows for general audiences such as: Le Piano-Marteau, which staged the sound-space in a subtle game of mirrors; a collaboration with choreographer Josef Nadj (Etc. etc.); and also the music she composed for the stage-adaptation of Charles Reznikov’s Testimonydirected by Henri Jules Julien.

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strings & noise

Die beiden Musikerinnen – Maiken Beer und Sophia Goidinger-Koch – verbindet seit Jahren eine intensive Zusammenarbeit. Beide gehören zum Kern des Ensembles STUDIO DAN mit dem sie zahlreiche Projekte umsetzen. Außerdem spielen sie zusammen in Formationen wie Ensemble Platypus, The Blackpageorchestra und waren bei Projekten der JazzWerkstatt Wien beteiligt.
2015 gründeten sie als logische Folge ihr Duo strings&noise.

Die Künstlerinnen verbindet die feste Überzeugung und Vision, dass neue Musik spannend und anregend ist; und das nicht nur für erfahrene, sondern auch für ganz ungeübte Ohren.
In ihrer gemeinsamen Arbeit machen sie sich intensiv auf die Suche nach den vielen Klang- und Geräuschmöglichkeiten ihrer Instrumente. Dabei scheuen sie auch nicht davor zurück an die Grenzen des Spielbaren zu gehen.
Streichinstrumente werden immer noch mit süßlichem Wohlklang in Verbindung gesetzt, und das besonders wenn sie von Frauen gespielt werden – dieses Vorurteil wird mit großem Vergnügen entkräftet.

Nach mehreren akustischen Duo-Auftritten und der gemeinsam mit der Tänzerin Eva-Maria Schaller entwickelten Musik- und Tanzperformance DICE erweitern sie nun kontinuierlich ihr Spektrum.

Seit 2017 beschäftigt sich strings&noise vermehrt mit Stücken, die andere Medien, wie Video und Elektronik, oder Performance-Elemente mit einbeziehen. So vergeben die beiden Musikerinnen auch gezielt Aufträge an KomponistInnen, die in diese Richtung gehend arbeiten, und konnten bisher schon fünf Uraufführungen auf die Bühne bringen.

 

photo by Peter Purgar

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Gischt | Ursula Winterauer

Ursula Winterauer lives and works as a composer, musician, producer and curator in Vienna. She founded the label Ventil Records in 2014 and works on the distribution and realization of artistic projects in the field of soundart and advanced electronic music ever since. As Gischt, her newly established solo project, Winterauer explores the gray areas between digital ambient and slowmotion techno. The attention to detail lies above all in the tonal quality of the individual audio tracks, which patiently surface and submerge in noisy echo chambers.

photo by David Višnjič

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Klaus Lang

Klaus Lang (*1971 in Graz) lebt in Steirisch Lassnitz (Österreich). Er studierte Komposition und Musiktheorie (bei H.M. Preßl, B. Furrer and Y. Pagh-Paan) und Orgel.Klaus Lang liebt Tee. Was er nicht mag sind Rasenmäher und Richard Wagner.

Musik wird von Klaus Lang nicht als Mittel gebraucht, um außermusikalische Inhalte zu transportieren, seien es Affekte, philosophische oder religiöse Ideen, politische Programme, Werbeslogans etc..

Musik ist für ihn keine Sprache die der Kommunikation außermusikalischer Inhalte dient, sie ist ein freies für sich stehendes akustisches Objekt.In seinen Arbeiten wird Klang nicht benutzt, er wird hörend erforscht und ihm wird die Möglichkeit gegeben seine ihm innewohnende reiche Schönheit zu entfalten.

Wenn Klang nur Klang ist (und auf nichts anderes verweisen soll), gerade dannwird er als das wahrnehmbar, was er eigentlich ist, nämlich als ein zeitliches Phänomen, als hörbare Zeit. Die Zeit als das eigentliche Material des Komponisten ist für Klaus Lang also auch zugleich zentraler Gegenstand der Musik. Musikalisches Material ist durch das Klingen wahrgenommene Zeit, der Gegenstand von Musik das hörende Erlebnis von Zeit.

Musik ist hörbar gemachte Zeit.

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Velharmonisches Ensemble

Das Velharmonische Ensemble ist ein seit 10 Jahren bestehender elektroakustischer Möglichkeitsraum, dessen Mitglieder fluktuieren. Die Intervalle zwischen den InterpretInnen bestimmen die Beweglichkeit der klanglichen Begrenzungen.

Daniel Lercher
elektronen-musiker und klangforscher, lebendig in wien.
zahlreiche kollaborationen im in- & ausland bei über 300 konzerten, installationen & residencies auf vier kontinenten.

Elisabeth Rožmann
Computermusikerin, Komponistin
1999 bis 2004 Studium mit Diplomabschluß am Institut für
Experimentelle Musik, Lehrgang für Computermusik und Elektronische Medien, Universität für Musik und darstellende Kunst, Wien
März 2004 Abschlussarbeit und Diplomprüfung „Katalog der musikalischen Hinterlassenschaften des Franz Dieter Feichtner
2006 Förderungspreis für Musik des Landes Kärnten
Seit 2015 Mitorganisation und Kuration des Festivals New Adits für den Verein Flechtwerk
2018 Liveelektronik Uraufführung Carinthische Wassermusik Komposition von Manuela Kerer
2018 Parallel Vienna „Round Table“ Kanginstallation
2018 Kunstraum Lakeside „Round Table“ Kanginstallation
2019 Teil der Ausstellung „Superparadiso“ Klangundbild Installation, im Museum am Bach, Ruden in Kärnten
Zusammenarbeiten mit dem Tanz*Hotel Wien, dem UNIKUM, Thomas Woschitz, dem 1. Wiener Geräuschorchester, Amour Fou, Klangforum Wien u.a.

Peter Pavel Seher
*1977 lebt und arbeitet in Wien und Kaernten.
Lehrgang für Computermusik und elektronische Medien
(Universität für Musik und darstellende Kunst, Wien).
Schlagzeug an der Landesmusikschule Klagenfurt.
Akkordeon „Glasbena Šola“ Ludmannsdorf

Musikalische Laufbahn (Projektauswahl)
2014 – 2015 Regie, Bild, Schnitt, Musik
Experimentalfilm mit dem Titel ” ” transinformationen wirbeweb
2014 Komposition/Musikalischer Beitrag zu ’50. Jahre ELAK – 50. Jahre elektroakustische Musik in Österreich’ (Electroacoustic Music Festival Vienna)
2014 Musikalischer Beitrag für das Projekt ‘Hotel Konkurrenz’ des Künstlerkollektivs ‘AO&’ (Bad Kleinkirchheim, Kärnten)
2013 Veröffentlichung der Solo-CD ‘inleben’ (elektroakustische Werke 2003 – 2007; Ostblock Rekords)
2013 Akustische Wanderung ‘Gehörgang’ in und um das Schloss Lind – das ANDERE heimatmuseum mit Gilbert Handler, Veronika Mayer, Günther Berger. (Neumarkt, Steiermark)
2007 Musikstück (Akkordeon) für: ‘Zur schönen Aussicht’ von Ödön v. Horvath (ua. Wiener Neustadt Stadttheater) Regie: Thomas Kamper Musik: Günther Rabl
2007 Musik für den Experimentalfilm ‘Dispositiv’ von Alina Kunitsyna
2007 Komposition, Betreuung und Konzeption der Installation Transitions – light on the move’ (für ‘Treusch Architecture’), ein Projekt von ‘PHILIPS’
2004 – heute Mitbegründung der ‘elak-gala’ Monatliche nationale und internationale Konzertreihe siehe http://velak.klingt.org
2004 – 2008 Diverse Auftritte beim ‘Mini*Festival’ der Tanztheaterkompanie ‘TANZ*HOTEL’ seit 2003 Beschäftigung mit elektroakustischer, experimenteller und improvisierter Musik
2002 ‘ANBAHNUNG, Moving Landscapes’, Begehbares Roadmovie in zwölf Bildern (Villach/Jesenice/Tarvis) Regie: Thomas Woschitz, Musik: Lisa Rožmann/Peter Seher Projekt des ‘Universitätskulturzentrums UNIKUM’ Klagenfurt

Stefan Fraunberger
Stefan Fraunberger is an Austrian composer and artist exploring themes of transformation and liminality in sound, focusing on their interior counterpoint in relation to perception. Stefan engages in electro-acoustic dialogue with different instruments, beings and concepts, interacting with conditions and languages beyond nature and culture. By investigating embodied understandings of the uncanny, his work touches on time, matter, memory and transition.

Vinzenz Schwab
Computermusik (Live-Elektronik/algorithmische Komposition/experimentelle Filmmusik). Spezifisch, vielschichtige Herangehensweise an Klangmaterial sowie deren transformationsmöglichkeiten.

Johanna Schlömicher
Is a composer, performer and instrumentalist from Salzburg.
Her works cross the boarders of different musical genres.

 

photo Velharmonische Ensemble

Daniel Lercher

Elisabeth Rožmann

Peter SeherPeter Seher

Stefan Fraunberger

Vinzenz Schwab

Johanna Schlömicher

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Strotter Inst

Live generiert Strotter Inst. ausgehend von präparierten Lencos, sowie weiteren weggeworfenen oder vergessenen Überbleibsel des Kulturbetriebes, Klang- und Rythmusstrukturen von einzigartiger Dichte. Das Spektrum der Musik von Strotter Inst. reicht von flächigen Geräuschlandschaften bis zu polyrhythmisch verdichteten Eruptionen. Die anachronistisch anmutenden Klangkörper und deren objektartiger Charakter treiben ein doppeltes Spiel: Die Installation besticht optisch, mit zunehmender Entwicklung aber lenken die Töne die Aufmerksamkeit auf sich, so erhebt sich über die Installation hinaus die zweite, auditive Ebene. Die in der zeitgenössischen Populärmusik aktuellen Soundstrukturen werden trotz oder vielleicht gerade wegen ihrer analogen Bearbeitung nachvollziehbar und ergeben eine eigenständige und überraschend aktuelle Atmosphäre im jeweiligen Raum. Als Tonträger kommen überarbeitete Schallplatten (zerschnitten, beklebt, ergänzt, abgeschabt, etc.) und andere Materialien (Stoff, Metall, Karton, Papier, Filz, etc.) zum Einsatz. Zudem sind die Tonzellen manipuliert oder umgebaut. Anstelle des Diamanten sind z.B. Geigensaiten, Drahtfedern oder Nähnadeln angelötet. Christoph Hess ist auch Mitglied der post-industrial Band Herpes Ö DeLuxe (since 1995) und hat live mit Sudden Infant, Maja Ratkje, Patricia Kopatchinskaja, Jorge Sanchez Chiong und vielen anderen zusammengearbeitet. Strotter Inst. ist neben den Ländern in Europa auch schon in Russland, Libanon, China, Amerika, Japan und Bolivien aufgetreten.

Strotter Inst

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Martin Brandlmayr & Ingrid Schmoliner & Joke Lanz

Martin Brandlmayr: composer, drummer

Projects and bands: Radian, Trapist, Polwechsel, Kapital band1

Collaborations with ErikM, Christian Fennesz, Mats Gustafsson, Franz Hautzinger, Howe Gelb, Dieter Kovacic, Christof Kurzmann, Klaus Lang, Billy Roisz, Sachiko M, David Sylvian, John Tilbury, Ken Vandermark, Otomo Yoshihide and many others

Festivalappearances and Tours through Europe, Australia, Usa, Mexico, Japan, China, Canada installations:
Martin Brandlmayr´s „Vive les fantômes“ was awarded the Karl Sczuka Prize for Works of Radio Art 2019
Installation at Maag areal, zurich, switzerland by Martin Siewert/Martin Brandlmayr
Installation “Quartets” at the YCAM, yamaguchi, japan, by Otomo Yoshihide featuring Yoshihide/Sachiko M/Doerner/Brandlmayr
Artist in residence at Podewil, Berlin, Germany, 2002
Artist in residence at dispatch festival, Belgrade, Serbia, 2008

Ingrid Schmoliner

Die Pianistin und Sangerin Ingrid Schmoliner lebt und arbeitet als freischaffende Musikerin, Komponistin, Kuratorin, und Pädagogin in Wien.

Durch ihre präzise Klangforschung und Diversität am Klavier hat sie sich mit ihrem
eigenwilligen – innovativen Spiel als Pianistin und Komponistin einen Namen gemacht.

Sie arbeitet auf international renommierten Bühnen und Festivals wie Musique Actuélle_ Victoriaville Canada, Unlimited, city of women_ Ljubljana, Theater am Ring, Permeke_ Nationalbibliothek Antwerpen, Nestroyhof Hamakom, Interpenetrationen_Stadtparkforum, Helsinki Meeting Point, Berlinale, Konfrontationen_Jazzgalerie Nickelsdorf, Art Acts_Alte Gerberei, Biegungen_Ausland, MOERS, LAC Theater, Porgrammkino Wels, Reaktor, Exploratorium_Berlin, Kaleidophon_ Jazzatelier Ulrichsberg, ZOOM! Night_Jazzwerkstatt,Klub Gromka, Teatro Miela, Stadttheater Klagenfurt, KE_Theater,CIK, raj,Paraflows_Künstlerhaus Wien, Velak Export_Les Atelier Claus, Signalraum München, Porgy and Bess, WUK, Loft_Köln, Tonhalle Hannover, Alter Schlachthof Wels… als Interpretin, Improvisatorin und Komponistin.

Künstlerisch bewegt sie sich in den Genres Neue Musik, experimentelle – improvisierte Musik, Avantgarde, Free Jazz, Folkfusion, Volksmusik.

Neben ihrem Soloprogramm, welches sie konstant weiterentwickelt und immer wieder neuen Kollaborationen unter anderem auch mit Film und Theater, arbeitet sie konstant mit ihren Ensembles Watussi (Pascal Niggenekemper, Joachim Badenhorst) und Para (Elena Kakaliagou, Thomas Stempkowski), Duobesetzung mit Elena Kakaliagou, und GRIFF (Emilio Gordoa, Adam Pultz Melbye). Die Musik von NABELOSE wurde von Didem Pekun (Regie,Buch,Produzentin) für den essayistische Road_Movie ARAF ausgewahlt und gezeigt_Berlinale/ CEU, Budapest – Hungary/locus athens exhibition ‘Geometries’, Athens – Greece/ Istanbul Film Festival/ Documentary Competition, Istanbul – Turkey Alchemy Film and Moving Image Festival, Hawick – Scotland Die Pianistin und Sangerin Ingrid Schmoliner lebt und arbeitet als freischaffende Musikerin, Komponistin, Kuratorin, und Pädagogin in Wien.

Joke Lanz

Born 1965 in Basel from a Swiss father and a French mother.
Based in Berlin.

Turntablist Joke Lanz creates autonomous sound-cells that melt into a language free of any function. He combines ritual reductionism with anarchistic playfulness, atmospheric soundscapes with cut-up noise and physicalness with unpredictability. Massive scratches, walls of sound, grooves, loops, noises and voice modulations!

He collaborated with:
Shelley Hirsch, Christian Marclay, Olaf Rupp, Ken Vandermark, Johannes Bauer, Lasse Marhaug, Jorge Sanchez-Chiong, Strotter Inst, Christian Weber, Charlotte Hug, Audrey Chen, Ute Wassermann, Peter Kowald, DJ Olive, Sophie Agnel, dieb13, eRikM, Martin Tétreault, Eklekto Ensemble Geneva, Alexandre Babel, Christian Wolfarth, Jonas Kocher, Mat Pogo, Kazuhisa Uchihashi, Vienna Radio Symphony Orchestra, just to name a few.

Best known for his international acclaimed Noise project ‘Sudden Infant’, Joke Lanz is presenting his work since more than 25 years all over the world. Born in Switzerland and currently operating out of Berlin, Joke Lanz is one of the most prolific and profound artists working in the border zones where performance and body art meet Improvisation and Noise.

 


Martin Brandlmayr
Ingrid Schmoliner

Joke Lanz

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 Form

Form is an instrumental Post-Rock Trio based in Vienna, Austria.We like to jazz to rock to make our guests dance with us through our Live-Shows

Alex an der Haas : Drums
Andreas Grünauer : Trombone
Ronald von den Sternen : Bass

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Jean Luc Guionnet

Jean-Luc Guionnet studied philophy of art and visual arts at the Sorbonne (Paris 1).
He then got commited to music and sound art through sound installations (“reflected waves” or “Stones, Air, Axioms: Fèn te ko ro, nka kow bè ro kolo ntè”), electroacoustic compositions and tape music (“non organic bias”, “tournures cessent”), instrumental compositions (“distances ouïes dites”) and musical improvisations (organ solos, sax solos, “hubbub”, “ames room”). He also did several programs for the national french radio (France Culture – ACR) about sound and listening. These various work are published in many musical label all over the world (“ground fault”, “potlatch”, “empty editions”, “hibari”, …). Along with this sonic activity, he develops a theoretical work through a series of texts about metaphysics, sound and art that he uses to give lectures in french and english (transmedial, glasgow university, EHESS, etc.).

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Howool Baek & Matthias Erian

Did U Hear

Howool Baek

Howool Baek – Choreografie/Tanz
Matthias Erian – Komposition/Live-Interpretation
Koproduktion: im_flieger Wien

* Gewinner der “10 sentidos Choreography Competition”, Valencia, Spain, 2016

Did U Hear ist eine Körper- und Klanginterpretation des Gedichts The rose that grew from concrete, geschrieben von 2PAC. Diese konzentriert sich auf den Ausdruck des Körpers, das Gesicht ausgenommen, und stellt das Gedicht durch die Rückansicht der informellen Körperform, den individuellen Körperausdruck und abstrakte Bewegung dar. Das visuelle Bild des Gedichts, das auf der Bühne verkörpert und betrachtbar wird, wird ergänzt durch den Klang, der über das Surround-Soundsystem ein körperliches Erlebnis transportiert.

Pic by TanzHotel Ernst Grünwald

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Elektro Guzzi

Elektro Guzzi ist eine österreichische akustische Techno-Band. Beeinflusst von Detroit Techno spielen sie in der klassischen Band-Besetzung Gitarre, Schlagzeug und Bass. Ihre Intention ist, einem eigenen Ansatz in der ansonstSample-basierten elektronischen Musik zu folgen.[1] Nach fünf Jahren Probezeit erschien 2010 ihr DebütalbumElektro Guzzi beim Berliner Label Macro. Als Produzent fungierte Patrick Pulsinger. Es folgten internationale Auftritte auf Festivals der elektronischen Musik, u. a. Sónar, Mutek, Roskilde und Melt.

E-Bass: Jakob Schneidewind
Drums: Bernhard Breuer
Guitar: Bernhard Hammer

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Manuela Kerer

(*1980 Brixen/Südtirol/I) staunt gern und ist ständig auf der Suche nach neuen Klängen, Überraschungen und Herausforderungen. Sie schloss neben den Studien am Tiroler Landeskonservatorium (Komposition und IGP Violine) die Studien der Rechtswissenschaften und der Psychologie an der Universität Innsbruck ab (Dissertationen: „Musik und Demenz” sowie „Im Namen aller Künstler, der Kunst und des socialen Fortschritts: Die Entwicklung der Rechte von Komponistinnen und Komponisten“). Weiterführende Kompositionsstudien führten sie zu Alessandro Solbiati nach Mailand.
Werke von M. Kerer entstanden für das Solistenensemble Kaleidoskop Berlin, das Klangforum Wien, die reihe, die Bayerische Kammerphilharmonie oder für Ausnahmekünstler wie Julius Berger und Maja Ratkje. Sie wurden bei Festivals wie der Münchener Biennale für zeitgenössisches Musiktheater und Wien Modern oder in den Konzerthäusern Berlin und Wien, auf Kampnagel Hamburg, in der Accademia Filarmonica Romana und im ACF New York aufgeführt.
Manuela Kerer erhielt zahlreiche Preise, darunter den Förderpreis Walther von der Vogelweide (2009), den SKE Publicity Preis (2011) und das Österreichische Staatsstipendium für Komposition (2008, 2011 und 2016). Vom Ausschuss der Europaregionen wurde sie als eines von europaweit 100 „young creative talents“ ausgewählt. 2015 erhielt sie das Internationale Arbeitsstipendium „Composer in Residence – Komponistinnen nach Frankfurt“, 2016 war sie Composer in Residence des Festivals St. Gallen/Steiermark, 2019 ist sie Komponistin im Fokus der Schlossmediale Werdenberg (Schweiz), Composer in Residence des Festivals „Leicht über Linz“ und des ZZM Kärnten.
Kerers Werke erscheinen im Verlag Breitkopf & Härtel. Sie wurden auf zahlreichen CDs eingespielt, eine Porträt-CD erschien im Rahmen der ORF Edition „Zeitton“.

Manuela Kerer
Pic by Nafezrerhuf.com

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Boris Hegenbart

Born 1969 in Berlin / Germany

Musician / composer of electroacoustic music and sound-art since 1996.

Establishes the project [#/TAU], Berlin 1996. Sound installations, electroacoustic concerts and performances. Soundscapes for theatre plays, dance performances and experimental radio- and video-art.

Workshops and lectures.
“Boris Hegenbart, dessen Collagen klingen in etwa wie eine Meditation an einer Straßenkreuzung mit einfallendem Heuschreckenschwarm. “
Taz Berlin #7214, 21/11/2003

“Boris Hegenbart [#/TAU] in his eletro-acoustic compositions, Hegenbart combines the aesthetics of 1950’s musique concrete with our day’s digital technologies of music production and sound synthesis, without restricted by the contemporary software’s limitations. For him, this software, as well as music-samples and the sounds of his everyday life, become material to be molded according to his artistic intentions. This way Hegenbart creates the delicate and complex sound-scapes, he is well known for”.

“Boris Hegenbart [#/TAU] verbindet in seinen elektro-akustischen Kompositionen die Ästhetik der historischen musique concrète mit digitalen Produktionsmitteln der Gegenwart, ohne sich deren Diktat von Klanggestaltung und Formgebung zu unterwerfen. Die moderne Musik-Software ist ihm ebenso formbares Material wie die Musik- und Alltagsgeräusche seiner Umgebung, aus denen Hegenbart seine differenzierten Klanglandschaften zusammenfügt. Entsemantisierung und Neukontextualisierung des akustisch Vorgefundenen sind die Verfahren, Sensibilisierung und Konzentration die Folgen seiner Kunst”.

 

Pic by JanThoben2019

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Tomaž Grom & Irena Tomažin Duo

Irena Z. Tomažin– voice

Tomaž Grom– double bass, electronics

Irena Z. Tomažin and Tomaž Grom combine their own unique musical approaches, interweaving and limiting them with the most varied of compositional procedures. Their music pierces the boundary between improvisation and pre-defined structure, and is heard as unique compositions.
The voice of Irene Z. Tomažin has body, rises, knits and falls through physical sensations, movements, emotions, moods, and is heard through the movement of her body and in the space.
Tomaž Grom understands music as a form of seeking, unanswered questions, flow of ideas, unpredictable situations. Composition is improvisation. In music, challenges invite thinking and open up new possibilities.
The organic foundation of these author-performers is further enhanced by microphonization and nuanced electronic sound manipulation. In doing so, they musically and sonorically encourage, complement, enhance, seek and create. Their witty play of combinations and selections exorcise the listeners from the domesticated style of listening.

Pic by Cristina Marx

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